Hablamos del tomo Animal Man de Grant Morrison 1, el nacimiento del Morrison americano: accesible, político y visionario, desmontando el mito de que la serie es críptica desde su primer número.
Antes de hablar de este Animal Man de Grant Morrison 1, conviene detenerse un momento y mirar alrededor, porque este cómic no nace en el vacío: nace en plena British Invasion, un fenómeno editorial que cambió para siempre el cómic estadounidense. A finales de los ochenta, DC estaba en una especie de búsqueda cuasicaballeresca: como Arturo buscando a la Dama del Lago, pero en vez de buscar Excalibur, buscaban talento británico. Y lo buscaban con urgencia. El éxito de Alan Moore había sido tan descomunal que la editorial rastreó el Reino Unido como si fuera un territorio mágico lleno de espadas legendarias esperando ser desenvainadas. Lo que encontraron no fueron armas, sino autores: voces nuevas, políticas, punk, capaces de dinamitar el género desde dentro.
El “efecto Alan Moore” fue tan devastador que DC entró en modo fiebre del oro. Si Moore había convertido Swamp Thing en literatura y Watchmen en un manifiesto cultural, ¿qué no podrían hacer otros británicos con personajes menores, olvidados o directamente moribundos? Así que la editorial empezó a buscar talento joven como quien busca reliquias sagradas: en revistas, en fanzines, en editoriales pequeñas, en convenciones, en cualquier rincón donde pudiera esconderse el próximo genio. Y lo que encontraron fue una generación entera de autores que habían crecido bajo Thatcher, en un clima de crisis, nihilismo y rabia política. Autores que no veían el cómic como entretenimiento, sino como un arma. Entre ellos estaban Neil Gaiman, Peter Milligan, Jamie Delano, Garth Ennis… y un escocés flaco, raro e intensito, llamado Grant Morrison.
La British Invasion y el nacimiento de un nuevo Morrison
Antes de poner un pie en DC USA, Morrison ya tenía una reputación considerable en Reino Unido. Era el “chico malo” de 2000 AD, un autor que mezclaba sátira política, ciencia ficción psicodélica y humor negro con una facilidad insultante. Su trabajo en Zenith ya mostraba muchas de sus obsesiones: multiversos, crítica social, superhéroes pop, conspiraciones, nihilismo juvenil. En historias cortas demostraba una capacidad casi enfermiza para lanzar ideas potentes en pocas páginas. Era un autor con voz propia, pero aún disciplinado, contenido, sin la explosión mística que definiría su obra posterior. Cuando DC lo ficha, no está contratando a un desconocido: está contratando a un talento en ebullición, un autor que ya había demostrado que podía romper moldes… pero que todavía no había roto la realidad.
Y aquí entra un punto clave: el Morrison que escribe Animal Man todavía no ha vivido su famosa experiencia de Katmandú. Todavía no ha tenido su epifanía mística, su viaje astral, su encuentro con entidades extradimensionales, su despertar mágico. Ese Morrison —el de The Invisibles, el del caos, el del esoterismo pop— aún no existe. El Morrison de este primer tomo es un autor DOMADO, en el mejor sentido: narrativo, claro, lineal, accesible, preocupado por contar historias antes que por romperlas. Es un Morrison que todavía no ha decidido que la forma es parte del mensaje, que la metaficción puede ser un arma, que el cómic puede abrir conciencias. Aquí, todavía, está aprendiendo a usar sus herramientas. Y eso hace que Animal Man sea un punto de entrada perfecto a su obra.
Animal Man de Grant Morrison 1, un tomo mas accesible de lo que pensáis
En este primer tomo, forma y fondo conviven sin colisionar. Morrison aún no está en modo “romper la página”, ni en modo “hablar con el lector”, ni en modo “el personaje descubre que es un personaje”. Todo eso llegará, pero aquí la historia fluye con una claridad sorprendente. La metaficción está presente, sí, pero suave, casi tímida, como un murmullo que todavía no se atreve a gritar. El lector nunca se pierde, nunca siente que el cómic le exige un máster en filosofía o en teoría del arte. Es un Morrison accesible, amable, incluso clásico en su estructura. Y sin embargo, bajo esa superficie domesticada, ya se intuye la inquietud, la incomodidad, la necesidad de empujar los límites del medio. Es un autor que está conteniéndose… pero solo de momento.
Porque este tomo es un torrente de ideas. Aquí están, en germen, todos los tropos que definirán su obra posterior: el ecologismo militante, el chamanismo pop, la protesta política, la empatía radical hacia los animales, la crítica al capitalismo, la obsesión por abrir los ojos del lector, la ampliación de la conciencia, las metanarrativas, la idea de que los personajes son víctimas de fuerzas superiores. Todo está aquí, pero en estado primario, como semillas esperando germinar. Si Los Invisibles es Morrison nivel Universidad, Animal Man es Morrison nivel primaria: un autor que todavía prioriza la historia sobre la teoría, pero que ya deja ver su visión única, su sensibilidad distinta, su voluntad de romper el género desde dentro.
Morrison antes de romper la realidad
Y aunque lo más recordado de la serie está en el segundo tomo, este primer volumen es absolutamente esencial. Aquí se construye el armazón emocional, político y conceptual de todo lo que vendrá después. Aquí se plantan las semillas que florecerán en la gran explosión metaficcional del final. Y aquí, sobre todo, aparece el número 5, “El evangelio del coyote”, una genialidad que Morrison pensó que le cerraría las puertas de la industria… y que, irónicamente, se las abrió de par en par. Ese número es la prueba de que Morrison no era solo otro británico prometedor: era una fuerza creativa destinada a cambiar el medio. Este tomo es el arranque lento, sí, pero también el cimiento imprescindible de una de las obras más influyentes del cómic moderno.
Tras esta —larga pero necesaria— introducción que nos sitúa en el dónde, cómo y cuándo, entramos en materia para recorrer las primeras trece grapas de Animal Man, que conforman la mitad exacta de la etapa de Morrison. Los cuatro primeros números funcionan como un “episodio piloto” en toda regla: presentan tono, personajes, conflictos y la promesa de que aquí hay más de lo que parece. Morrison define al Buddy Baker moderno como un superhéroe de tercera, casi retirado, más pendiente de llegar a fin de mes que de salvar el mundo. Su núcleo emocional —familia y activismo— queda fijado desde el minuto uno, y eso lo diferencia de la mayoría de héroes de la época. Aquí la familia no es decorado, es un motor narrativo. Morrison escribe con claridad, sin tecnicismos, desmontando desde el principio el mito de que Animal Man es una obra difícil. Morrisonómetro de este arco: 4/10.
El evangelio del coyote y el dolor como espectáculo
La primera gran sacudida llega con el número cinco, “El evangelio del coyote”, una parodia trágica de los Looney Tunes convertida en alegoría brutal sobre el sufrimiento animal. Aquí Morrison rompe su propio medidor: es un 9/10 en el Morrisonómetro. El tono cambia de golpe, la serie se abre en canal y aparece el Morrison grande, el que entiende que la ficción puede ser un espejo incómodo. El coyote sangra, sufre, muere, y lo hace porque su creador —el autor— lo condena a repetir un ciclo de violencia para nuestro entretenimiento. Morrison no sermonea, muestra. Y al mostrar, incomoda. Este número es un punto de inflexión no solo respecto a los cuatro anteriores, sino respecto a toda la serie. Es uno de los capítulos más importantes de su carrera, una declaración de intenciones que le abrió las puertas de la industria. Medio año de serie… y ya había un clásico.
En “Aves de presa”, Morrison vuelve a la estructura superheroica, pero la usa como disfraz para hablar de colonialismo. La invasión thanagariana funciona como metáfora transparente: intervención, explotación, paternalismo, superioridad tecnológica… todo remite a dinámicas históricas demasiado reconocibles. Morrison lanza high concepts con naturalidad, pero aún mantiene la forma contenida. El remate con Hawkman es brillante: para el lector casual es un cameo simpático; para quien rasca un poco, es ironía amarga. Que un representante de un imperio alienígena llegue a “salvar el día” dice mucho sobre quién tiene el poder y quién no. Morrison juega con la iconografía DC para hablar de política sin levantar la voz. Es un número que se entiende a la primera, pero que deja poso. Morrisonómetro: 6/10. Morrison contenido en forma, pero no en fondo.
Política, ecología y empatía como motor narrativo
“La muerte de la Máscara Roja” es una pequeña joya melancólica. Morrison convierte a un villano menor en símbolo del olvido editorial, del destino de tantos personajes de la Edad de Plata que desaparecieron sin despedida. Aquí los héroes y villanos viejos no son caricaturas, son víctimas del tiempo, del mercado, de la memoria selectiva del género. La historia es autoconclusiva, emotiva, con un toque de locura —esa invasión de robots— que no rompe el tono, sino que lo subraya. Morrison demuestra que puede contar lo de siempre como nunca, tocando la herida sin necesidad de artificios. Es un número que habla de dignidad, de sueños rotos, de personajes que solo querían volar. Morrisonómetro: 6/10. Una historia que funciona sola, sin necesidad de saber nada más.
“Movimientos espejados” es una de esas grapas que parecen pequeñas y resultan enormes. El villano usa espejos, sí, pero Morrison convierte ese recurso en una alegoría sobre enfrentarse a lo que no queremos ver. El guion es imaginativo, preciso, casi teatral: dos personajes, un espacio reducido, un conflicto íntimo. Habla del miedo, de lo que ocultamos, de lo que mostramos solo cuando nadie mira. No hay high concepts, no hay metaficción explícita, no hay ruptura formal. Y sin embargo, es una de las grapas más potentes del tomo. Morrison demuestra que no necesita explosiones conceptuales para ser profundo. Morrisonómetro: 8/10 por su fondo, por su sensibilidad y por su capacidad para decir tanto con tan poco.
Metaficción en semilla
“Mejoras del hogar” baja el tono y nos mete en un slice of life superheroico delicioso. Buddy arreglando su casa tras un ataque, el Detective Marciano como invitado, discusiones domésticas, problemas con los poderes… Es un número amable, accesible, casi costumbrista. Pero bajo esa calma empiezan a aparecer sombras: un personaje misterioso, la sensación de que alguien observa, la idea de un demiurgo tras el velo. Morrisonómetro: 5/10. Luego llega Secret Origins #39, “El mito de la creación”, donde Morrison resuelve el embrollo post-Crisis insinuando un origen cíclico para Buddy. No lo ata aún al “Rojo”, pero planta semillas que germinarán años después. Es breve, pero con peso. Morrisonómetro: 8/10. Aquí empieza la verdadera mutación del personaje.
La grapa #10, “Un zorro a la fuga”, empieza como un W3 antes de W3: Buddy salvando a un zorrito de una cacería. Pero de pronto aparece Mari McCabe, y Buddy es desintegrado por una fuerza superior. El lector se queda helado. Las grapas 11 y 12 continúan ese cliffhanger y forman, junto a Secret Origins, un arco donde Morrison redefine al personaje de arriba abajo. Aquí llega la primera ruptura seria de la cuarta pared, la primera insinuación clara de que la realidad de Buddy está manipulada. Y aun así, todo es accesible, claro, legible. Morrison innova sin desconcertar. Ideas locas, ejecución suave. Es un arco que cambia para siempre al personaje y que anuncia el desmelene del segundo tomo. Morrisonómetro: 9/10. Aquí asoma el Morrison definitivo.
Un tomo accesible que prepara la gran explosión del volumen 2
Cierra el tomo la grapa #13, “La hora de la Bestia”, un alegato político sobre la situación de Sudáfrica en los ochenta. Buddy ayuda a B’wana Bestia a pasar su máscara a un sucesor, y Morrison aprovecha para hablar de racismo, colonialismo, violencia estructural y responsabilidad moral. Es un tebeo político, directo, sin metáforas innecesarias. Ruge —permíteme el chiste— con fuerza, sin sermonear, sin esconder la crítica. Aquí vemos al Morrison contestatario, al que luego explotará en The Invisibles, pero sin cripticismos. Aquí te lo lanza a la cara. Es una historia demoledora, con los pies en el suelo pese a los unicornios. Morrisonómetro: 5/10. Y con esto, los trece primeros números dejan la serie lista para el estallido conceptual del segundo tomo. Hasta aquí, todo ha sido sentido de la maravilla accesible.
Este primer tomo de Animal Man desmonta de un plumazo la falsa creencia de que la serie es críptica, inaccesible o reservada a iniciados. Morrison utiliza la colección como campo de ensayo, sí, pero nunca sacrifica la claridad ni expulsa al lector. Sus ideas —geniales, rompedoras, a veces visionarias— están siempre al servicio de la historia, no por encima de ella. La lectura sigue siendo tan actual, fluida y placentera hoy como hace más de tres décadas, y demuestra que detrás del aura de enfant terrible hay un narrador mayúsculo que, cuando quiere, controla el ritmo y la emoción cmagistralmente. Este tomo es imprescindible: fácil de leer, revolucionario para el personaje y para el medio, y accesible para cualquier lector. Y sí, en el segundo volumen la cosa sube de nivel… pero esa es otra historia, y no tan terrible ni incomprensible como quizá hayan oído.
Sobre la edición de Animal Man de Grant Morrison 1
Panini cómics edita este Animal Man de Grant Morrison 1 en un volumen de tapa dura sin sobrecubiertas. En el interior, papel y reproducción gráfica de maxima calidad. Como extras una introducción de Grant Morrison y una galeria de bocetos.
Animal Man de Grant Morrison 1
Edita: Panini cómic
Editorial Original: DC COMICS
Autor/es: Grant Morrison, Tom Grummett, Chaz Truog, Doug HazleWood, Mark McKenna, Tatjana Wood, Helen Vesik, Brian Bolland, John Constanza, Janice Chiang,
Fecha de lanzamiento: 16 oct 2025
Idioma: Español.
Páginas: 376 pags.
Tamaño: 17×26 cm.
Contiene: Animal Man 1-13 y material de Secret Origins 39.
Formato: Cartoné.
Interior: Color.
ISBN: 9791370132743
Precio: 44,00€
